Top 7 - Le migliori trilogie cinematografiche

La trilogia, per definizione, è un insieme di tre distinte opere (che possono essere dello stesso autore) collegate da una forte connessione tematica o stilistica. In campo cinematografico la trilogia, un tempo diffusissima, sta lentamente lasciando spazio alle saghe, ai reboot, ai sequel. Fortunatamente, rimangono intatti capolavori suddivisi in tre parti, e sono quelli a cui non vogliamo dedicarci.

7 – La trilogia del cavaliere oscuro, composta da Batman Begins (2005), Il cavaliere oscuro (2008) e Il cavaliere oscuro – Il ritorno (2012). Qui all’Ignorante non siamo amanti dei film di supereroi. Ecco, definire la trilogia del cavaliere oscuro (tutta diretta da Christopher Nolan) come una serie di film tratti dai fumetti DC è clamorosamente riduttivo. Grazie a Christopher Nolan, genere noir e poliziesco si fondono in tre enormi kolossal che tutti avrete visto e sicuramente apprezzato.

6 – La trilogia del milieu. C’era un periodo in cui in Italia si producevano più di 300 film all’anno, in cui c’era una vera industria che guardava al cinema hollywoodiano senza timore di inferiorità, ma solo come modo per sviluppare caratteri originali che gli americani trascuravano. C’era un periodo in cui il cinema di genere era vivissimo nel nostro Paese, e poteva contare su diversi autori. Uno di questi era sicuramente Fernando Di Leo, artigiano sopraffino e autore dei più interessanti film noir italiani. La trilogia del milieu è composta da Milano Calibro 9 (1972), La mala ordina (1972) e Il boss (1973). Sono film di una violenza oggi sconosciuta al cinema di casa nostra. Un certo Quentin Tarantino li cita sempre nella lista dei suoi film preferiti. Da recuperare.

5 – La trilogia del Mariachi. Robert Rodriguez, regista stimatissimo dall’amico Tarantino, è l’inventore del sottogenere burrito-western, termine coniato per la sua trilogia composta da El Mariachi (1992), Desperado (1995) e C’era una volta in Messico (2002). Il primo film è stato realizzato con un budget di 7mila dollari e ne incassò più di 2 milioni. Se volete vedere molto sangue, azione e ironia non-sense, questa è la trilogia adatta. Per farvi capire in che modo lavora Rodriguez: per C’era una volta in Messico il regista è l’unico membro della troupe e oltre la regia si è occupato del soggetto, della sceneggiatura, della fotografia, del montaggio, degli effetti speciali, delle musiche e della scenografia. Il film è costato 30 milioni di dollari e ne ha incassati quasi 100.

4 – La trilogia di Ocean’s. Ocean’s Eleven (2001), Ocean’s Twelve (2004) e Ocean’s Thirteen (2007) raccontano le gesta della banda di ladri capitanata da George Clooney e Brad Pitt. La trilogia, tutta diretta da Steven Soderbergh, ha contribuito a rilanciare il caper movie, filone molto in voga negli anni Sessanta, che racconta l’organizzazione accurata di un grande furto, (Ocean’s Eleven è il remake di Colpo grosso del 1960) e può vantare un cast più che stellare. I film sono godibilissimi, basati su continui colpi di scena e soprattutto su dialoghi brillanti.

3 – La trilogia di Toy Story.  La trilogia di Toy Story potrebbe avere vita breve all’interno di questa classifica. Pare infatti che la Pixar abbia in cantiere un quarto capitolo, previsto per il 2019. Al di là delle innovazioni tecniche e stilistiche, i tre capitoli (1995, 1999, 2010) sono i perfetti esempi di come la commedia brillante possa prestarsi all’animazione e di come l’animazione possa essere adatta anche a un pubblico di soli adulti. Ci sentiamo di dire che, dopo il finale strappalacrime del terzo capitolo che simbolicamente segnava la fine di una generazione, produrre un quarto capitolo potrebbe essere un crimine contro l’umanità.

2 – La trilogia di Die Hard. Sì, lo sappiamo che la saga di Die Hard è fatta da cinque film. Ma sappiamo anche che gli ultimi due, usciti molti anni dopo i primi tre, sono una completa schifezza, slegati completamente dai primi tre. E poi dal quarto film in poi Bruce Willis è pelato, quindi non contano più. Trappola di cristallo (1988), 58 minuti per morire – Die Harder (1990) e Die Hard – Duri a morire (1995) sono il perfetto esempio, assieme alla saga di Arma letale (lì i film sono quattro, tutti bellissimi) di come l’adrenalinico genere action può funzionare alla perfezione senza il bisogno di quella computer grafica che ha invaso Hollywood dalla fine degli anni Novanta in poi.

1 – La trilogia di Ritorno al futuro. Tre capitoli (1985, 1989, 1990) perfetti, capaci di influenzare la cultura pop come nessun film aveva fatto prima. Dire che è la trilogia migliore è assiomatico, lapalissiano, praticamente oggettivo. Potremmo argomentare la nostra scelta in noiosi discorsi di qualche ora, ma non vogliamo tediare nessuno. 

Vi lasciamo però con una domanda: quale altro genio del cinema ha avuto la folgorante idea di piazzare una macchina del tempo in una DeLorean?

Film - Indivisibili (2016) di Edoardo De Angelis

Viola e Daisy (Angela e Marianna Fontana) sono due gemelle siamesi che vivono nella parte più degradata della provincia napoletana. Lavorano come cantanti neomelodiche alle feste, ai matrimoni, alle sagre e grazie al loro talento riescono a mantenere tutta la famiglia, che sfrutta le sorelle come veri fenomeni da baraccone.

Un giorno, però, le gemelle scoprono che c’è la possibilità di un intervento chirurgico con il quale le due possano separarsi e  soprattutto garantirsi una vita normale. La famiglia però, spaventata dalla possibile perdita dell’unica fonte di guadagno, si oppone all’operazione, condannando Daisy e Viola a rimanere unite.

Viola e Daisy, fenomeni da circo sfruttati dalla famiglia per campare, per la loro bellezza e pura ingenuità ribaltano il concetto di freaks à la Browning: in Indivisibili, i veri soggetti bizzarri, dalla mentalità deforme sono gli sfruttatori delle gemelle, preti che le usano in rituali sciamanici e discografici interessati alla loro condizione di diversità piuttosto che alla voce.

Indivisibili è una storia surreale, un racconto in bilico fra il fantastico e l’orrorifico che De Angelis ha il merito di calare in un contesto purtroppo noto e reale: la periferia napoletana ripresa dal regista è fatta di caseggiati degradati, spiagge sporche e barche in secca. Una bruttezza del paesaggio che, almeno per una volta, abbandona la solita situazione di criminalità cui il cinema ci ha abituato, ma che comunque sottolinea un territorio disagiato abitato da persone piccole e ignoranti, più adatte a sfruttare che ad amare. De Angelis, concedendosi anche fini citazioni (La donna di scimmia di Marco Ferreri, ad esempio), riesce ad amalgamare fra loro la superstizione popolare, la sceneggiata e il conflitto sociale, e a inserirli all’interno di un mondo realissimo in cui Viola e Daisy sono il simbolo dell’innocenza e dell’esistenza grottesca impostagli da un uomo in preda a una becera volgarità morale che De Angelis ha il genio di rappresentare fin dall’inizio del film in una brevissima scena: sdraiate a letto, ovviamente unite, una delle due è costretta a masturbarsi in presenza dell’altra.

Film - Bad Moms: Mamme molto cattive (2016) di Jon Lucas e Scott Moore

Amy (Mila Kunis) vive una vita apparentemente perfetta: sposata, due figli, una bella casa, una carriera ben avviata. Ma lo stress e la pressione a cui è sottoposta quotidianamente nei suoi compiti di madre e lavoratrice la spingono a una svolta. Scaricato il marito, colpevole di tradimento, Amy, grazie anche all’aiuto di due mamme nella sua stessa situazione, si libera da ogni responsabilità per provare a vivere una vita più serena.

Le bad moms, le mamme molto cattive del titolo sono personaggi ribelli, donne che a tutti i costi hanno voluto ribaltare il concetto della tipica famiglia occidentale in piedi fino agli anni Ottanta, fatta di marito lavoratore e moglie casalinga.

È questo lo spunto iniziale della commedia diretta dalla coppia Jon Lucas – Scott Moore; uno spunto accattivante, che però si esaurisce in un battito di ciglia. Bad Moms risulta un film scontato praticamente dalla prima sequenza, una commediola per nulla irriverente probabilmente pensata per un pubblico femminile, ma più verosimilmente adatta a chi proprio vuole farsi del male. L’emancipazione della donna, qui portata nel genere della commedia, si trasforma in una semplice e noiosa storia rosa in cui le donne regrediscono a personaggi in preda a qualsiasi vizio e perennemente a caccia dell’essere maschile, motivo principale della loro pseudo -ribellione.

Bad Moms segna la crisi profonda che sta vivendo la commedia leggera americana, incapace di uscire dalla struttura dei suoi recenti successi (Una notte da leoni in primis) e soprattutto non in grado di fornire sceneggiature brillanti e seducenti, all’altezza dei budget (comunque alti) a disposizione.

Bad Moms è un assemblato di battute e gag un tempo pungenti e caustiche, ma ora pienamente rientrate nel politically correct, area in cui ogni possibile sferzata al perbenismo è odiosamente addolcita e il finale del film è messo in preventivo e già intuito dopo pochi minuti. Bad Moms è sicuramente una commedia scorretta. Ma scorretta nel senso di sbagliata, in tutto e per tutto. Sbaglia nel raffigurare la donna che passa dalla situazione di subordinazione coniugale e lavorativa, a quella di ingestibile e folle indipendenza fatta di eccessi e completa mancanza di senno. Manca lo spessore dei personaggi, sacrificato per favorire le battute e le risate, pochissime per i 100 minuti della durata del film. E manca soprattutto la figura della madre nel suo rapporto con i figli, ragazzini amorfi che si lasciano andare a odiosi piagnistei, profonde riflessioni e guizzi geniali che non appartengono alla loro età.

Ecco, Bad Moms, per la sensazione di eterno “già visto” che suscita fin dalle prime scene, è un film che non merita spazio in nessuno scaffale e in nessuno schermo di qualsiasi uomo (o donna) abbia veramente voglia di un film leggero e divertente.

Libro - Desperados di Joseph O'Connor

1985. Il Nicaragua è sconvolto da una feroce guerra civile. Frank Little, assieme alla ex moglie Eleanor è a Managua per riconoscere il cadavere del figlio Johnny. Ma all’obitorio si scopre che il cadavere non è quello del figlio. Inizia così una ricerca che porterà Frank e Eleanor, a bordo di un esotico e scassatissimo camper e in compagnia dei Desperados de Amor, la band in cui suonava Johnny, ad attraversare un Paese martoriato dagli eventi e dalle contraddizioni.

Ci sono delle caratteristiche che rendono sempre riconoscibile la penna di Joseph O’Connor e che ne determinano continuamente la cifra stilistica: l’amore per la musica, l’indagine sentimentale all’interno del nucleo famigliare, l’appartenenza al popolo irlandese.

Desperados, pur essendo ambientato totalmente in Nicaragua, vuole dichiarare al lettore la sua appartenenza all’Irlanda, nazione fatta di storia e folklore, ma anche di sangue e di guerra, tutti temi presenti in ogni romanzo di O’Connor. In uno scenario geografico e storico ben costruito e delineato, O’Connor manovra i suoi personaggi con la stessa sensibilità che caratterizzerà, qualche anno dopo, l’universo cinematografico di Wes Anderson. In Desperados, come spesso accade nei libri di O’Connor, non ci sono personaggi realmente cattivi e crudeli, ma nemmeno personaggi totalmente buoni e puri. È un microcosmo difettoso quello costruito dallo scrittore irlandese, in cui vivono e si muovono personaggi estremamente umani, resi al lettore soprattutto attraverso l’iperrealismo dei dialoghi costruiti dalla fine penna ( e dall’orecchio) dell’autore.

Manca una vera e propria riflessione sulla follia della guerra, sulla sofferenza di un Paese messo in ginocchio dal clima e dalle armi. Probabilmente sarebbe stato un capolavoro. Invece è “solamente” un ottimo romanzo, indagine e ricerca storica, fisica e interiore, di affetti, di amore, di vita.